Ovih dana mnogi ljudi, naročito filmofili ili jednostavno oni koji imaju posebno i više od prolaznog interesovanja za film, mogu se zapitati: „Odakle da počnem kada je reč o gledanju velikih filmova? Koja su ključna dela ovog medija i zašto? Zašto je važno da gledam filmove koji danas uglavnom nisu ni popularni, a ponekad ih je i teško pronaći? Zašto bih gledao ovaj zaboravljeni komad celuloida? Odakle potiču moji omiljeni filmovi?“
Zato smo sastavili (delimično subjektivnu i proizvoljnu, naravno — takve stvari su u umetnosti uvek barem delimično subjektivne i proizvoljne, jer u umetnosti nema apsoluta) listu od 30 filmova koje bi svaka osoba sa istinskim interesovanjem za film trebalo da pogleda bar jednom u životu (mada su u mnogim slučajevima ponovna gledanja gotovo neophodna), uz objašnjenje zašto.
Napomena: filmovi na ovoj listi poređani su po abecednom redu.
1. 2001: Odiseja u svemiru – Stenli Kjubrik (1968, USA).
Šta se uopšte može reći o filmu 2001: A Space Odyssey? On je zauvek promenio i obnovio film, audiovizuelnu komunikaciju, popularnu kulturu, naučnu fantastiku i savremenu naraciju, predvideo tablet uređaje poput iPad i mnoge druge tehnološke napretke koje danas uzimamo zdravo za gotovo.
Stanley Kubrick je naslikao zadivljujući i veličanstven fresko-prikaz istorije univerzuma i istorije ljudske vrste, u kojem revolucionarna narativna struktura obuhvata čovekovu natprirodnu oholost, destruktivne i autodestuktivne impulse, stalnu težnju ka napretku i otkrićima, ali i sklonost ka nasilju i opsesiju smrću, kao i ravnodušnost i neizrecivu širinu kosmosa sa njegovim beskonačnim misterijama.
Film je prosvetlio i inspirisao neverovatan broj reditelja, praktično sve koji su došli posle njega: Steven Spielberg, George Lucas, Sydney Pollack, Ridley Scott, Andrei Tarkovsky, Federico Fellini i Woody Allen, među ostalima. Otvorio je put filmovima kao što su Solaris, saga Star Wars, Alien, Blade Runner i Close Encounters of the Third Kind.
Nikada ranije tzv. „mejnstrim“ film nije otišao toliko daleko, niti je ikada jedan film bio toliko smelo drzak. Film danas izgleda onako kako izgleda zahvaljujući 2001: A Space Odyssey i beskrajnom geniju Stenlija Kjubrika.
2. 8½, reditelja Federika Felinija (Otto e Mezzo, 1963, Italija, Francuska).
Remek-delo Federico Fellinija. Posle ogromnog međunarodnog uspeha filma La Dolce Vita tri godine ranije, italijanski genije je odlučio da snimi film o samom činu stvaranja filmova.
Rezultat je gorka i nežna oda kinematografiji, ali i duboko promišljanje o kreativnom umu i procesu, i o tome kako se umetnik nosi sa njima.
Kroz film pratimo glavnog junaka, uspešnog i poželjnog reditelja Gvida Anselmija (maestralno ga igra Marcello Mastroianni), dok pokušava da upravlja svojim složenim životom, suoči se sa sopstvenim greškama, gubicima i sebičnošću i prihvati odgovornost koju nosi status umetničkog genija.
Sve je to upakovano u dubok, ozbiljan, ali i duhovit pogled na život snova i snove života.
3. Andrei Rublev, reditelja Andrei Tarkovskyja (1966, Sovjetski Savez).
Ključno delo svetske kinematografije i konačno remek-delo Andrei Tarkovskyja. Impresivna epska priča zasnovana je na životu ruskog ikonopisca iz 15. veka, čije ime film nosi.
Tarkovski je želeo da prikaže značaj i ulogu umetnika u svetu koji ga okružuje, kao i uticaj hrišćanske religije na oblikovanje ruske istorije.
Radnja je smeštena u period kada je Rusiju razdirala tatarska najezda i neprekupne borbe za presto. Andrei Rublev je podeljen na prolog, osam poglavlja i epilog. Prolog je samo metaforički povezan sa ostatkom filma, dok je epilog montaža stvarnih umetničkih dela glavnog junaka.
Remek-delo podjednako složeno koliko i neophodno za razumevanje istorije filmske umetnosti.
4. L’Avventura, reditelja Mikelanšelo Antonionija (1960, Italija).
Nadovezujući se i snažno proširujući ono što su ranije nagoveštavali Ford, Roselini i Drejer, Michelangelo Antonioni je svojim šestim filmom potpuno subvertovao, revolucionisao i izmenio dotadašnje shvatanje naracije u filmu.
Umesto uobičajenih i konvencionalnih pripovednih obrazaca, odlučio je da snimi film pokretan isključivo unutrašnjim, skrivenim emocionalnim potresima svojih likova i postepenim promenama u njihovom doživljaju života, samih sebe i ljubavi.
Precizno je prikazao živote privilegovane rimske elite uronjene u sebičnost, dosadu, nekomunikaciju i iznad svega besmisao. Time je hladno ogolio krhkost života, postojanja, ljubavi i svakog nagoveštaja značenja.
Iznenadni i tajanstveni nestanak bogate naslednice samo je povod da nas Antonioni suoči sa svojom upečatljivom, raskošnom umetnošću koja tera na preispitivanje stvari koje se podrazumevaju.
6. Oklopnjača Potemkin, reditelja Sergeja Ejzenštajna (1925, Sovjetski Savez).
Zasnovan na istinitoj priči o grupi mornara sa ruskog bojnog broda Potemkin koji su se 1905. pobunili protiv svojih pretpostavljenih.
Battleship Potemkin je podeljen na pet činova: Ljudi i crvi, Drama na palubi, Mrtvac poziva na pravdu, Odesske stepenice i Jedan protiv svih.
Film je poznat po revolucionarnoj montaži — za to vreme izuzetno brzoj i dinamičnoj — kojom je Sergei Eisenstein želeo da podstakne empatiju publike prema pobunjenim mornarima. Posebno je slavna scena masakra civila na Odesskim stepenicama, fiktivni prikaz zločina carske vlasti.
6. Rođenje nacije, reditelja D. W. Grifita (1915, SAD).
Ovo je film koji je pretvorio bioskop iz povremene razonode u ono što je danas.
The Birth of a Nation je revolucionarno delo. Pokazao je da film može biti narativ, zabava i umetnost u isto vreme. D. W. Griffith je uveo pripovedne i tehničke inovacije koje su oblikovale medij kao nijedan film pre njega.
7. Do poslednjeg daha, reditelja Žan-Lik Godara (1960, Francuska).
Treći zvanični film francuskog Novog talasa posle Trifoovih 400 udaraca i Resneovog Hirošima, ljubavi moja. Scenario, koji je prvobitno napisao François Truffaut, zasnovan je na istinitoj priči iz 1952. Trifo ga je odbacio, Godar ga pročitao, zavoleo i dobio pravo da ga koristi besplatno.
Jedan od prvih pravih modernih filmova, postao je ogroman uspeh i uticao na stotine ostvarenja posle. Fokus na mladosti, lepoti, pobuni, ironiji, dinamici, humoru, pop kulturi i odbacivanju pravila. Proslavljen po upotrebi „jump cut“ montaže, ideje Jean-Pierre Melvillea.
8. Andaluzijski pas, reditelja Luis Bunjuela (1929, Francuska).
Jedan od prvih i najuticajnijih nadrealističkih filmova. Scenario su napisali Buñuel i Salvador Dalí. Film je niz slika, a ne narativ, i često je opisan kao prvi „muzički spot“. Uveo je ekstremnu filmsku brutalnost. Najpoznatija scena prikazuje kako lik, koga glumi Buñuel, ženi zadrži glavu, otvori joj oko i prereže ga brijačem (u stvarnosti oko mrtvog teleta).
9. Građanin Kejn, reditelja Orsona Velsa (1941, SAD).
Vrh filmskog medija. Njegov značaj je neizmeran. Koegzistira sa samom istorijom filma. Ko-scenarista je Herman J. Mankiewicz. Welles je imao 25 godina i nikakvo prethodno filmsko iskustvo. Tehniku je učio gledajući Stagecoach John Forda i pitajući tehničare kako su scene snimane.
10. Days of Heaven, reditelja Terensa Malika (1978, SAD).
Pet godina posle debitantskog Badlands, Malick je snimio film u Teksasu pre Prvog svetskog rata (sniman u Kanadi). Priča o dvoje siročadi, Lindi i Bilu, i Bilovoj devojci Ebi, koji beže iz Čikaga i dolaze na teksašku plantažu.
Malick koristi narativ samo kao okvir za poetske vizuelne prizore. Naslanja se na Forda, Antonionija, Viskontija i Tarkovskog, a nadahnut je Kjubrikovom 2001: Odiseja u svemiru. Fotografija Néstor Almendrosa (koji je tada gubio vid) daje filmu hipnotičku lepotu. Film je meditacija o životu, krhkosti, ljubavi, pohlepi i ljubomori, u jednim od najzapanjujućih pejzaža u istoriji kinematografije.
11. Dnevnik seoskog sveštenika, reditelja Roberta Bresona (Journal D’Un Curé De Campagne, 1951, Francuska).
Ovo je film koji je inspirisao Taxi Driver i prvo remek-delo velikog Robert Bresson. Film u kojem je započeo svoju revoluciju kinematografskog medija.
U svoje vreme film je delimično bio hvaljen zbog upečatljive izvedbe glavnog glumca, Claude Laydu (preminuo 2011), koji tumači naslovnog seoskog sveštenika.
Međutim, ono što je Bresson neprestano tražio, čemu je težio i što je iznova pokušavao da ostvari, bili su — u nedostatku boljeg izraza — antiglumci, odnosno antiperformansi.
Laydu pre ovog filma nije bio glumac, a u celom ansamblu samo je jedna osoba bila profesionalna glumica.
Godinama kasnije, Bresson će sažeti čitavu svoju filmsku poetiku u svojoj ključnoj i uticajnoj knjizi Notes on the Cinematographer.
Ono što ovde imamo jeste nezaboravan i duboko uznemirujući pogled u bol, izolaciju, usamljenost, očaj, bedu i sumnju — kao i izuzetno snažno i potresno promišljanje o tome šta ljudi moraju učiniti da bi prevazišli patnju i zadobili iskupljenje i milost.
12. Fireworks, Kenneth Anger. (1947, SAD)
Najraniji sačuvani film Ekselencije Angera, nastao je kada je autor imao 20 godina, u kući svojih roditelja dok su oni bili odsutni tokom vikenda.
Jedan od začetnika eksperimentalnog filma, ovo 14-minutno nadrealističko delo istražuje seksualnost, (homoseksualnu) želju, fetišizam i nasilje na način koji je za svoje vreme bio potpuno i apsolutno revolucionaran.
Anger, bivši dečiji glumac, uhapšen je nakon premijere filma, a sam film je zabranjen pod optužbom za neprimeren sadržaj.
Ipak, Vrhovni sud Kalifornije je film kategorisao kao umetnost.
Rečima samog Angera: „Nezadovoljan sanjar se budi, izlazi u noć tražeći ‘svetlost’ i vuče se kroz oko igle. San o snu, vraća se u krevet manje prazan nego ranije. […] Ovaj film je sve što imam da kažem o tome kako je biti sedamnaest, američka mornarica, američki Božić i Četvrti jul.“
13. Kum, Deo II; Francis Ford Coppola. (1974, SAD)
13. Kum, Deo II; Francis Ford Coppola. (1974, SAD)
Prvi ikada „respektabilni“ nastavak. Film koji je popularizovao same nastavke. Prvi film koji je u naslovu koristio izraz „Deo II“.
Izdanje iste godine kada je izašlo još jedno od ključnih remek-dela Kopolinih, „The Conversation“, Kum, Deo II znatno proširuje priču o porodici Korleone.
Film koji se može uporediti sa „Građaninom Keinom“, detaljno prikazuje „moralni“ pad Majkla Korleonea kao čoveka i apsolutnu licemeriju njegovog postojanja, istovremeno sa njegovim trijumfom nad svim neprijateljima i preprekama, kao i usponom njegovog oca kao porodičnog čoveka i vođe sicilijanske mafije u Njujorku.
Jednostavno rečeno, to je najbolji i najvažniji gangster film ikada snimljen, iako je takvo izjavljivanje izrazito redukcionističko, jer je ovaj film mnogo više od toga. Oni koji su ga gledali beskrajno puta znaju šta to znači.
14. Dobri momci; Martin Skorseze. (1990, SAD)
Glavni primer postmodernizma u filmu. Skorseze vodi publiku na 146-minutnu vožnju koja ih tera da se osećaju kao da će svakog trenutka doći do sudara.
Koristeći dinamičan, munjevit i inteligentan stil, Skorseze uranja gledaoce u živote i dela likova filma, ne dozvoljavajući im da udahnu, gotovo ih prisiljavajući da razumeju zašto likovi rade ono što rade i zašto se događaji odvijaju onako kako se odvijaju.
Nemoguće je zamisliti filmsku produkciju 90-ih (posebno filmove iz tog perioda koji se sada smatraju „klasicima“) i sve što je usledilo bez Dobrih momaka.
Pa, šta je bio Skorsezeov cilj sa ovim veličanstvenim filmom?
„Da započnem [film] poput pucnja i da ubrzava odatle, gotovo kao dvosatni i po trejler. Mislim da je to jedini način da zaista osetite uzbuđenje tog načina života i da shvatite zašto su mnogi ljudi njime privučeni.“
15. Put u Italiju; Roberto Roselini. (Viaggio In Italia, 1954, Italija)
Delimično zasnovan na romanu „Duo“ autorice Kolet, sa Ingrid Bergman (Roselinijeva tadašnja supruga u stvarnom životu) u ulozi Ketrin i Džordžom Sandersom u ulozi Aleksa.
Odstupajući od ranijih neorealističkih dela, ali i dalje zadržavajući neka njihova obeležja, Roselini je snimio ovaj skromni film, možda svoje remek-delo.
Film prati Ketrin i Aleksa Džojsa, bračni par iz Velike Britanije, koji putuju u Italiju kako bi prodali imanje koje im je u testamentu ostavio nedavno preminuli Aleksov ujak.
Njihov odnos je u poslednjim fazama, a tamo gde je nekada možda postojala ljubav, sada vlada samo prezir i ogorčenost.
Pretpostavka radnje je samo izgovor da Roselini istraži dve prazne, sebične ličnosti koje se bore ne samo da prihvate jedno drugo, već i same sebe, i ne mogu da odluče da li se još uvek vole ili su se ikada uopšte voleli.
Prelep i jedinstven film koji prethodi onome što su kasnije radili drugi reditelji poput Antonionija u svojim najpoznatijim delima.
16. Dete; Čarli Čaplin. (1921, SAD)
Najveći uspeh Čaplina do tada, Dete je izuzetno snažna oda ljubavi između oca i sina.
Sirota majka je otpuštena iz dobrotvornog bolničkog doma sa novorođenčetom. Ona odlučuje da napusti dete i ostavlja poruku moleći onoga ko ga pronađe da ga voli i brine o njemu.
Naš voljeni Mali lutalica je taj koji nevoljno preuzima odgovornost u svoje ruke.
Pet godina kasnije, oni su ljubavni i simpatični par partnera u sitnim kriminalnim radnjama, sve dok niz neočekivanih, napetih, akcijom ispunjenih, tužnih i nadasve nadahnutih događaja ne menja živote svih zauvek.
Kao što uvod sam kaže: „Film sa osmehom, a možda i sa suzom“…
17. Nosferatu; F. V. Murnau. (Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens, 1922, Nemačka)
Jedan od prvih vampirskih filmova i prva filmska adaptacija „Drakule“.
Možda najveći horor film ikada, prikazuje ekspresionizam u svom punom, prelepom sjaju kroz kinematografiju.
Pošto nije imao prava na roman Brama Stokera, Murnau je promenio naslov (Nosferatu znači „neumrli“) i imena likova (grof Drakula postao je grof Orlok, a Džonatan Harker – Tomas Hater, na primer).
Ipak, Stokerova porodica je podnela tužbu i pobedila. Sve kopije filma su trebale biti uništene; srećom, jedna kopija je preživela i kasnije je kopirana i piratski distribuirana širom sveta.
18. Olimpija; Leni Rifenštal. (1938, Nemačka)
Jedan od najuticajnijih i najrevolucionarnijih filmova ikada snimljenih.
Plesačica, glumica, fotografkinja, scenaristkinja, producentkinja i rediteljka Leni Rifenštal postala je zvanična filmska autorka i dokumentaristkinja Nemačke Nacional-socijalističke partije po ličnoj naredbi Adolfa Hitlera. Nazivali su je „najmoćnijom ženom u nacističkoj Nemačkoj“.
Godina je bila 1936, a Berlin je trebalo da bude domaćin Letnjih olimpijskih igara. Adolf Hitler je želeo da slava Nacional-socijalističke Nemačke bude prikazana na zadivljujući i nezaboravan način, da bi ceo svet mogao da je vidi.
Za taj zadatak, naravno, bila je zadužena sama Rifenštal.
Rifenštal je inovirala korišćenjem drvenih kolica (dolly), ekstremno bliskih kadrova, kosiih uglova i montažnih stilova koji ranije nisu viđeni.
„Olimpija“ je vrhunska proslava i oda ljudskom telu i sposobnostima, kao i talentu, borbama, atletizmu i istrajnosti ljudske vrste.
Zbog dužine, film je prvobitno pušten u dve različite celine, i i dalje je zasluženo slavan i cenjen zbog svog značaja.
19. Paisan; Roberto Roselini. (Paisà, 1946, Italija)
Neorealističko remek-delo Roselinija, gde svet vidi njegov stil u punom sjaju. Drugi film u njegovoj trilogiji o Drugom svetskom ratu i njegovim posledicama, nakon Rim, otvoreni grad i pre Nemačka, godina nula.
Baš kao i filmovi koji su mu prethodili i sledili ga, Paisan je sniman u gerilskom dokumentarnom stilu, sa neglumcima koji igraju likove na stvarnim lokacijama, što ranije nije viđeno u fikcionalnom narativnom filmu.
Podeljen u šest poglavlja, bolje nego skoro bilo koji drugi film prikazuje kako zapravo niko ne pobeđuje u ratu i kakve posledice je Italija, naročito siromašni, pretrpela nakon poraza od Saveznika.
Pravo, neprocenjivo blago filmske umetnosti.
20. Strast prema Jovanki Orleanki; Karl Teodor Drejer. (La Passion De Jeanne D’Arc, 1928, Francuska)
Vrhunsko remek-delo vrhunskog Karla Teodora Drejera.
Danski reditelj je pozvan da snimi film u Francuskoj. Odlučio je da njegovim subjektom bude Jovanka Orleanka, njen sud i kasnija egzekucija na lomači od strane Engleza.
Angažovao je scensku glumicu Rene Žan Falconeti da tumači Jovanku, u njenom jedinom filmskom radu.
Tokom stvaranja filma, Drejer je koristio mnoštvo jedinstvenih tehnika kako bi svoju viziju pretočio u stvarnost.
Iskopao je rupe u zemlji za snimanje iz ekstremno niskih uglova i izgradio čitav betonski zvučni studio u srednjovekovnom stilu, da podseća na zatvor u Renu u kojem je Jovanka Orleanka provela poslednje mesece života. Zabranio je svim glumcima upotrebu šminke. U slučaju Falconeti, to je učinjeno kako bi njeni izrazi lica – patnja, bol, mučeništvo, očaj i sumnja – u ekstremno bliskim kadrovima bili zapanjujuće preneti na celuloid.
Rezultat je jedno od najvažnijih umetničkih dela 20. veka, koje stoji da svi tiho posmatraju.
21. Persona, reditelja Ingmara Bergmana. (1966, Sweden).
Persona (latinski: person, individual, persona, karakter, uloga, maska, ličnost) postavlja pitanja koja se tiču same suštine ljudskog bića:
Šta je osoba? Šta oblikuje osobu? Šta razlikuje jednu osobu od druge? Zašto nosimo maske i pretvaramo se da su one zaista mi sami? Zašto biramo baš te maske? Šta krijemo iza svojih maski, iza svojih lica? Kako reagujemo na svet koji nas okružuje? Zašto reagujemo na taj način? Koju masku biramo da predstavimo te reakcije? Zašto biramo baš nju?
Kao nikada pre u istoriji kinematografije, Ingmar Bergman postavlja ova i mnoga druga pitanja direktno publici, izazivajući je da odgovori, ili čak da ima odgovor.
Kao što je Kamil Paglija rekla o filmu:
„Kada sam prvi put gledala Bergmanovu Personu u Njujorku 1967, osetila sam da je to elektrizujući sažetak svega što sam ikada razmišljala o zapadnoj polnoj i identitetskoj problematici. Naslov moje doktorska disertacije i prve knjige, Sexual Personae, bio je eksplicitna omaž Bergmanu. Tokom britanske turneje za National Film Theatre 1999, zamolila sam da spavam sa Personom — čije su pet role, poput svetih ikona, počivale u dva srebrna kanistra pored mog kreveta.“
Mladu, naivnu, neiskusnu, previše poverljivu i usamljenu medicinsku sestru Almu („Duša“ na latinskom i latinski izvedenim jezicima), tumači Bibi Andersson. Alma je zadužena da brine o skoro katatoničnoj, ali „zdravoj“ glumici Elisabet, u koju se utelovljuje Liv Ulman u jednoj od najvećih glumačkih interpretacija u istoriji.
(Čudo je gledati kako Ulman bez otvaranja usta izražava beskonačno više pogledom i suptilnim izrazom lica nego što bi to ikada mogla da prenese stranama i stranicama dijaloga, monologa, vrisaka, suza ili stotinama bliskih kadrova njenog prelepog lica).
Ono što sledi nikada, nikada ne napušta um gledalaca.
Od same premijere, Persona je bila predmet masivnih i beskrajnih analiza, tumačenja, referenci, omaža i kritika – od čistih kinematografskih do filozofskih, kulturnih, kontrakulturalnih, seksualnih, popularnokulturnih, političkih, psiholoških, psihijatrijskih, psihoanalitičkih/frojdianskih, socioloških, bioloških, pa čak i ekonomskih.
Jedno je apsolutno sigurno: nemoguće je zamisliti i razumeti film i savremenu kulturu bez Persone.
22. Psiho; Alfred Hičkok. (1960, SAD)
To je možda prvi američki moderni film. Sigurno je pomogao da započne kraj klasicizma u američkoj kinematografiji.
Baš kao i Peeping Tom Majkla Pauela iz Velike Britanije nekoliko meseci ranije, Psiho je bio izuzetno revolucionaran u prikazu nasilja, seksualnosti i mesta gde se ona susreću i prepliću u „mainstrim“ zabavi.
Marion Krejn krade novac u gotovini od jednog od saradnika svog šefa, i dok beži, završava u Bats motelu, gde ima 12 soba i 12 slobodnih mesta. O njoj se brine Norman Bejts, sin vlasnice, gospođe Bejts. Ona se tušira i onda… svi znamo šta se dešava i to je promenilo kinematografiju zauvek. Pored ostalog, kompozicija gudača Bernarda Hermana tokom scene može se smatrati prvom upotrebom atonalne muzike u važnom, „mainstream“ filmu.
Danas se smatra prvim slasher filmom, iako bi taj „naslov“ možda bolje odgovarao pomenutom Peeping Tom, s obzirom na to da je, znate, zapravo izašao pre.
Ipak, Psiho je film koji je zauvek promenio i preoblikovao kinematografiju, posebno horor film.
23. Rašomon; Akira Kurosava. (1950, Japan)
Bukvalno film koji je stavio japansku kinematografiju na mapu i doneo je zapadnoj publici, Rašomon je jedno od najcenjenijih remek-dela Kurosave.
Koristeći naraciju i subvertujući je kao što ranije nije viđeno u istoriji filma, Rašomon se bavi posledicama strašnog, nezamislivog zločina.
Takav zločin se prepričava kroz ispovesti i priče četiri različita lika, pri čemu se svi ti prikazi razlikuju u ključnim detaljima. Ko govori istinu od njih četvoro, ako iko uopšte? Zašto bi neko od njih lagao?
Enigma podjednako tajanstvena kao i sama ljudska priroda.
24. Sátántangó; Béla Tarr. (1994, Mađarska)
Zasnovan na romanu Lászlóa Krasznahorkaija istog imena, a adaptiran od strane režisera i samog romanopisca, Sátántangó kroz sedam sati prikazuje priču o pustom i izolovanom seoskom naselju negde u Mađarskoj, uronjenom u bedu, gde većina stanovnika gotovo stalno bira alkohol umesto gotovo svega drugog.
Cela zajednica je uzdrmana kada se šire glasine da se legendarni Irimiáš, koji se ranije smatrao mrtvim, vraća u selo sa velikim poslovnim planom.
Irimiáš zaista dolazi, ali njegov dolazak se poklapa sa stravičnim, tragičnim i jezivim događajem, a ishod njegovog povratka postaje nešto što niko nije mogao da očekuje.
Film je ispričan u ne-hronološkom redosledu, podeljen na 12 poglavlja, a nekoliko scena i događaja se prikazuje više puta iz različitih uglova, menjajući perspektivu i sudove gledalaca o događajima i likovima. Gas Van Sant toliko poštuje film da je otvoreno preuzeo njegovu narativnu strukturu i primenio je u svom velikom Elephant (filmu koji je takođe pozajmio nekoliko elemenata iz Alan Klarkovog Elephant).
Sátántangó je vrhunac onoga što mnogi danas nazivaju „sporim filmom“ – svesno polagan i sastavljen isključivo od vrlo dugih kadrova. U Sátántangó, prosečan kadar traje oko 150 sekundi, odnosno dve i po minute.
25. Sedam samuraja; Akira Kurosava. (Shichinin No Samurai, 1954, Japan)
Jedan od prvih akcionih filmova kakve danas poznajemo, ovo je takođe epska avanturistička drama o časti, lojalnosti, hrabrosti, poverenju i timskom radu.
Grupa siromašnih seljana unajmljuje sedam samuraja iz naslova kako bi im pomogli i zaštitili ih od bande lopova koji ih ucenjuju, terorišu i kradu njihove useve.
Zapanjujuć od prvog do poslednjeg kadra, ovaj epski film od tri i po sata ostavlja gledaoce bez daha kada se sve završi.
Jedno od najvažnijih i najmoćnijih umetničkih dela koje se može naći u celokupnoj filmskoj produkciji 20. veka.
26. Kočija; Džon Ford. (Stagecoach, 1939, SAD)
Zasnovan na kratkoj priči Ernesta Hejksa i adaptiran od Dadlija Ničolsa za režiju Forda.
Film koji je naučio Orsona Velsa kako da bude reditelj – prema rečima samog Velsa, gledao ga je više od 40 puta.
Još jedan ogroman reditelj koji je bio pod velikim uticajem Forda, a posebno Stagecoacha, je Akira Kurosava, koji je mnogo pozajmio iz Fordovog stila prilikom snimanja nekih svojih filmova, posebno samurajskih, uključujući i Sedam samuraja.
Klasik među vesternima, koji je publici širom sveta predstavio mnoge od elemenata, konvencija i tropa poznatih danas kao veliki vestern žanr.
Jednostavno rečeno, praktično svi vesterni koje ste ikada gledali ne bi bili ono što jesu da nije bilo ovog filma.
Nemoguće ga je zaobići, koliko god to direktno zvučalo.
27. Zora: Pesma o dvoje ljudi; F. V. Murnau. (Sunrise: A Song Of Two Humans, 1927, SAD)
Stariji bračni par sa petoro dece, od kojih je jedno preminulo, odlučuje da putuje u Tokio kako bi posetili troje preživelih potomaka. Njihova najmlađa ćerka, Kijoko, živi s njima i ostaje kod kuće kako ne bi propustila školu.
Ovo je film koji je učvrstio Ozuovu poziciju kao majstora i vodećeg reditelja, zajedno sa njegovim prepoznatljivim stilom.
Snimano kamerom koja se ne pomera i ostaje fiksirana na vrlo niskom uglu, što je kasnije postalo uobičajeno za Ozu, što nam omogućava da vidimo svu radnju bez propuštanja ijednog pokreta, izraza ili događaja koji je apsolutno ključan za specifični svet filma.
Film takođe koristi episodnu naraciju, gde su događaji i delovi priče skraćeni i nikada zapravo prikazani.
Klasična priča o starenju i važnosti da se pomirimo sa sopstvenim greškama, greškama drugih i samom smrću.
29. Put na Mesec; Žorž Meliès. (Le Voyage Dans La Lune, 1902, Francuska)
Prvi naučno-fantastični film u istoriji; film koji je zvanično i međunarodno uveo ovaj žanr u filmsku umetnost.
Za pisanje i režiju ovog filma Meliès je crpeo inspiraciju iz dela Žila Verna, među mnogim drugim izvorima, kao što su H. G. Velsov Prvi ljudi na Mesecu i opereta Džeka Ofenbaha Le Voyage Dans La Lune.
Film prikazuje putovanje na Mesec, gde astronomi bivaju napadnuti od strane nekih mesečevih stanovnika; oni se bore protiv njih i vraćaju na Zemlju.
S ovim filmom, Meliès je bukvalno stvorio magiju pomoću filmskog celuloida, montaže i rezova kamere.
Među stotinama referenci i omaža mogu se spomenuti video Smashing Pumpkins za pesmu Tonight, Tonight, režiran od strane Džonatana Dejtona i Valeri Faris, i, naravno, Scorseseova nežna oda Hugo.
30. Radnici koji izlaze iz Lujmijeove fabrike u Lionu; Luis Lujmije. (La Sortie De L’Usine Lumière À Lyon, 1895, Francuska)
Ovaj film je tačno ono što naslov opisuje.
Jednominutni dokumentarni film koji prikazuje prirodnu scenu u kasnom 19. veku u Francuskoj, snimljen od strane jednog od dva prva filmska stvaratelja u istoriji, koji su ujedno i stvorili samu kinematografiju.
Mnogi ga smatraju prvim filmom u istoriji, iako je ovo predmet rasprave jer neki smatraju da dvosekundna Roundhay Garden Scene Luja Le Prinsa (1888, Velika Britanija, Francuska), napravljena sedam godina ranije, zaslužuje taj naslov.
